Остров высокой культуры

В Украине в этом году большое событие – 120 лет назад возник русский театр, 85 лет Указу о создании в Киеве Государственного Русского театра и 70 лет со дня присвоения театру Русской драмы имени Леси Украинки.

Все эти годы (порой совсем не простые) Театр Русской драмы имени Леси Украинки, воспитавший плеяду замечательных актеров, чьи имена известны далеко за пределами своей страны, был очагом русской культуры.

Театр возглавляет один из любимейших учеников великого Георгия Александровича Товстоногова Михаил Резникович, прошедший в этих стенах путь длиной почти в двадцать лет. Являясь одновременно и директором и художественным руководителем, он создал при театре студию молодых актеров, куда набирает лучших выпускников Национального университета театра, кино и телевидения имени Карпенко-Карого из своей мастерской. В студии ребята работают 3-4 года, занимаются актерским мастерством, сценической речью, тренингом. Лучшие постановки включаются в репертуар театра, а наиболее способные молодые актеры переходят в его труппу. В конце каждого театрального сезона проходят показы самостоятельных работ студийцев, в которых принимают участие и «взрослые» актеры театра. Мне удалось посмотреть интересно и очень профессионально сыгранные отрывки из пьес «Орфей спускается в ад» Т. Уильямса, «Мария Стюарт» Ф. Шиллера, «Приключения Тома Сойера» М. Твена, рассказы В. Шукшина.

Театр всегда шел в ногу со временем и не раз создавал и проводил экспериментальные театральные проекты, построенные на чтениях пьес, так называемой «Новой драмы». В этом году был осуществлен очень интересный украинско-германо-канадский проект «Чужой среди чужих», организованный посольствами Германии и Канады, немецким культурным центром имени Гете и театром Русской драмы имени Леси Украинки. В него был включен мини-фестиваль спектаклей, подготовленных тремя странами, в рамках которого прошли читки пьес немецких авторов, посвященных актуальной проблеме – иммиграции и экстремизму в современном мире. Разыгрывали их молодые актеры театра и студенты Михаила Резниковича. Наиболее остро прозвучала тема экстремизма в пьесах: «Дело чести» Лютца Хюбнера, «Будущее покажет» российского автора Виктории Никифоровой, а также «Норд-Ост» Торстена Бухштайнера, посвященная теракту в Москве, и пьеса «Черные девы» Феридуна Заимоглу и Гюнтера Зенкеля, написанная в жанре «вербатим».

«Черные девы» - это десять интервью, взятых писателями (один из которых турок по происхождению) у десяти женщин, исповедующих ислам. Они говорят о христианстве, о немцах, о своем восприятии современного мира, о сексе, о любви.

Михаил Резникович считает, что эта пьеса, возможно, войдет в репертуар театра.

Афиша театра разнообразна – здесь есть русская и зарубежная классика, современная отечественная и зарубежная драматургия, представлена жанровая палитра, способная удовлетворить любые вкусы и пристрастия зрителя. Надо сказать, что публика этот театр любит – в любую погоду и в любое время года (а в этот приезд в июле дожди лили беспрестанно) зрительные залы переполнены. Поражает и умение зрителей полностью вовлекаться в происходящее на сцене - их можно с легкостью заинтересовать искрометной, непритязательной комедией или фарсом, и заставить думать и сопереживать героям серьезных произведений – драм и трагедий.

Каждый приезд в этот киевский театр для меня театральный праздник и открытие чего-то нового, необычного. И на сей раз мои ожидания абсолютно оправдались: увлекательные, яркие, интересные спектакли оставили след в моей душе.

Спектакль «Сто пятая страница про любовь…», поставленный Михаилом Резниковичем с режиссерами Ириной Барковской и Леонидом Остропольским – уникальное зрелище, яркое, сложное как с точки зрения композиции, так и по сюжету, и по сценическому воплощению.

Михаил Резникович вынашивал замысел и работал над ним более двух лет. Он создал композицию по мотивам произведений поэтов и писателей разных столетий. В ее основе повесть Всеволода Петрова «Турдейская Манон Леско», написанная им сразу после возвращения с Великой Отечественной войны. Однако лишь спустя 60 лет, в 2006 году, она была напечатана в журнале «Новый мир». Кроме этой повести режиссер обращается к произведениям аббата Антуана Франсуа Прево, Павла Антокольского, Виктора Астафьева, Наума Коржавина, Булата Окуджавы, Веры Пановой, Бориса Пастернака, Натальи Ржевской, Давида Самойлова, Бориса Слуцкого.

Это спектакль о любви, о любви молодых, которая правила бал во все времена и поколения, даже в самые трагические моменты прошлого. Главный герой спектакля Он – Олег Треповский – который сегодня вспоминает о своей фронтовой любви, о всепоглощающей страсти к медсестре Вере с санитарного эшелона, который Он, тогда молодой лейтенант, сопровождал на фронте.

Чтобы рассказать о любви на войне, Резниковичу было нелегко соткать полотно из текстов писателей и поэтов, соединить отдельные эпизоды в единую повесть о любви, надежде, разлуке и изменах.

В спектакле переплетены разные эпохи и разновременные пласты истории. Герои из 18 века – Манон Леско (Наталья Доля) и кавалер Де Грие (Евгений Авдеенко), одетые в старинные, изысканные наряды, и Он – молодой лейтенант времен Великой Отечественной войны (Дмитрий Савченко) и Вера (Анна Артеменко) органично сосуществуют, создавая яркое живое действие.

История Манон и Де Грие, написанная Прево и считающаяся шедевром французской литературы, вдохновляла многих поэтов, художников и композиторов. Ею увлекались и русские поэты Серебряного века. У Всеволода Рождественского есть стихотворение:

Легкомысленности милый гений,

Как с тобою дышится легко.

Без измен, без нежных приключений

Кем бы ты была, Манон Леско?

Для Веры, так же как и для Манон, измены, а потом просьбы простить – естественны. Роль Веры – дебют недавней выпускницы Анны Артеменко. В ней есть простота, трогательность и наивность, особенно когда она просит своего Героя: «Держите меня, держите крепче, не отпускайте!» А у него так же, как и у Де Грие – отчаяние в любви, одна страсть, одна женщина, без которой нет жизни.

«Весь наш спектакль – сага о не всегда объяснимых, зыбких и текучих взаимоотношениях мужчины и женщины, об их извечном притяжении и отталкивании. Таковы наш Герой и Вера, Де Грие и Манон…», - говорит режиссер.

В этот сюжет вплетаются и другие эпизоды и судьбы тех людей, которые рядом с героями проходят сквозь суровые военные будни. У каждого своя биография, свое прошлое. Это и Командир (Олег Замятин), и бросившая его на войне жена (Анна Наталушко), и старшая медсестра Нина Алексеевна (Елена Нешерет), одинокая и безответно влюбленная в Героя, и Бабушка (Ольга Кульчицкая), и многие другие.

Вера погибает при бомбежке, о чем напишет Герою в письме Нина Алексеевна.

Сегодня Он, убеленный сединами, по-прежнему любящий свою Веру, говорит, что теперь ему осталось только стареть.

Тихое, неназойливое, нежное музыкальное оформление, основным лейтмотивом которого является песня на слова Наума Коржавина «Песня, которой тысяча лет», чисто и звонко исполняемая юной Лизой Барковской, создает атмосферу тонкой лиричности и хрупкости бытия.

В спектакле в основном заняты молодые артисты, не знавшие войны, но им удалось прикоснуться к ней, прожить ее и рассказать о ней своим современникам.

Когда в театре появляется пьеса Чехова – это всегда событие. Чехов делится с каждым из нас самым сокровенным, вскрывая со скальпелем врача человеческие характеры, в которых есть все – и плохое, и хорошее – в которых заключен целый мир.

Известный поэт Саша Черный очень точно сказал:

В наши дни трехмесячных успехов

И развязных гениев пера,

Ты один, тревожно-мудрый Чехов,

С каждым днем нам ближе, чем вчера…

«Вишневый сад», поставленный в 50 странах мира, написанный Чеховым в конце жизни, считается самой сложной и утонченной его пьесой. Старые московские знакомцы, режиссер Аркадий Кац и художник Татьяна Швец создали не менее тонкий, поэтичный и элегантный спектакль. Автор определил жанр своей пьесы как комедию, режиссер же назвал ее «комедия-реквием». Именно поэтому в спектакле даже самые комедийные персонажи – Яша, Дуняша, Епиходов – не так уж смешны.

Яша Вячеслава Николенко, походя соблазняющий пышного, очаровательного «огурчика» Дуняшу, занят лишь тем, чтобы ловить каждое движение и исполнять любое желание Раневской. Он мечтает скорее уехать обратно в Париж из этой «дикой страны».

Дуняша Елены Червоненко совсем не похожа на горничную. Она росла вместе с Аней (Ольгой Олексий), поэтому они вместе играют на скрипках, делятся своими девичьими секретами, и она скорее напоминает сестру Ани, чем прислугу.

Даже Епиходов в исполнении Андрея Пономаренко совершенно не смешон и не жалок, каким его обычно играют. Просто он безнадежно влюблен в Дуняшу и поэтому с ним всегда случаются «двадцать два несчастья». В нем проскальзывает порой поэтичность.

Фирс Николая Рушковского очень трогателен. Молча проживая все, что происходит вокруг, он тем не менее с первого выхода на сцену дает почувствовать зрителю, что за ним – огромная биография.

Очень неожиданен Лопахин в исполнении Владимира Ращука. Легкими штрихами рисует актер свое отношение к персонажу. Он очень современен, прагматичен и не может дать волю чувствам, отказываясь от личной жизни и женитьбы на Варе. Быть может, этому Лопахину не хватает некоторой глубины, внутренней силы и жесткости, но, думается, что актер со временем сможет это приобрести.

Элегантный Гаев Александра Гетманского красив, легкомыслен, по-детски наивен и болтлив. Проев «все состояние на леденцах», он, как и его сестра Раневская, не понимает приближающейся катастрофы.

Татьяна Назарова в своей Раневской играет диагноз доктора Чехова – умирание Вишневого сада, частью которого является она сама. В ней намешаны черты взбалмошной, эффектной русской барыньки и кокетливой парижской дамочки, которая вращалась не в самом высшем французском свете. По существу, она бесконечно одинока, есть в ней ощущение беды, но и безответственность, очаровательная инфантильность. Безволие соседствует в ней с эгоизмом – она любит этого «дикого человека», который обобрал ее в Париже, и кроме этого ее ничего не интересует. Она спокойно после продажи имения едет в Париж, где будет проживать деньги, присланные ярославской бабушкой Ане.

В финале Раневская и Гаев, как два неразлучных ребенка, утративших свои корни и живущих миражами прошлого, садятся рядом за детскую парту и обреченно прощаются со своим домом, садом, со своей жизнью.

Очень часто спрашивают: «Как играть чеховского героя?» Когда старые мхатовские актеры задавали этот вопрос Чехову, он отвечал: «Играйте хорошо…»

В спектакле «Вишневый сад» все актеры играют хорошо, искренне, проникновенно, тонко чувствуя чеховский текст, улавливая зыбкую атмосферу, созданную режиссером Аркадием Кацем и художником Татьяной Швец.

В первом действии сквозь зеленую листву вишневых деревьев, усыпанных белыми цветами, просматриваются фотографии многочисленных поколений предков в овальных старинных рамках. Во втором – оголенные багряно-бурые ветви деревьев, словно склоняются под невидимой ношей все ближе к земле.

Прекрасное музыкальное оформление Александра Шимко тоже создает лирическую атмосферу спектакля – пение птиц, звуки еврейского оркестра, скрипки, гитара.

Когда-то Андрей Кончаловский заметил, что «если Толстой и Достоевский были Дон Кихотами в русской литературе, то Чехов был Гамлетом… И его тихий голос будет звучать вечно, а мы должны напрячь все способности, чтобы его услышать».

Другой Чехов – «1001 страсть, или Мелочи жизни». В спектакль, родившийся из самостоятельных работ, представленных молодыми артистами в конце сезона на суд своих коллег, вошли пять житейских историй, взятых из «Пестрых рассказов» Антоши Чехонте 1880-х годов.

Иван Бунин говорил, что «…очень зоркие глаза дал ему Бог!» И эти глаза открывали миру правду повседневной жизни в остроумных, пронизанных юмором и легкой иронией чеховских рассказах, очень разных по тематике и способу сценического воплощения. В рассказах: «Дочь Альбиона», «Длинный язык», «Обыватели», «Бумажник», «Беззаконие», обрамленных старинными русскими романсами, актеры смогли показать себя с очень неожиданной стороны. Так, Александр Бондаренко, славящийся умением создавать яркие комедийные образы, в рассказе «Беззаконие» удивительно тонко рисует человека, стоящего перед выбором – покаяться перед женой в содеянном грехе или подбросить своего младенца соседям.

Великолепно играет бессловесную надменную англичанку из рассказа «Дочь Альбиона» Наталья Шевченко, хороши в «Обывателях» Юрий Дьяк и Андрей Кронглевский. В спектакле, над которым работали Михаил Резникович, Герман Царев, Елена Дробная, много импровизаций, режиссерских находок, изящных и тонких интересных деталей. Действие идет в хорошем ритме, и энергетика актеров выплескивается в зрительный зал.

Над этими яркими гротесковыми миниатюрами в зале смеются от души, но неожиданно смех затихает, и зрители серьезно прислушиваются к тому философскому вопросу, который им задают в финале: «Вы должны иметь приличных, хорошо одетых детей, а ваши дети должны иметь хорошие квартиры и детей, а их дети – тоже детей и хорошие квартиры, а для чего это? Черт его знает».

Вопрос риторический, но, возможно, люди задумаются над ним…

«Последняя любовь» - пьеса Валерия Мухарьянова по мотивам рассказов и новелл Исаака Башевиса Зингера, американского прозаика, Лауреата Нобелевской премии. Его герои – в большинстве своем люди, пережившие Холокост, которых судьба разбросала по миру, лишив дома и родных.

Спектакль о любви, не подвластной возрасту и жизненным обстоятельствам.

Одинокий богатый 82-летний старик Гарри (Давид Бабаев) доживает свой век в Америке. Он потерял жену, которая бросила его, а вскоре умерла. Он ничего не знает о судьбе своего сына.

Одиночество его скрашивает лишь старый друг Марк (Вячеслав Лисенбарт), да и тот приходит однажды сообщить о своем решении - уехать с женой в Израиль.

Неожиданно в жизнь Гарри врывается любовь – рядом поселяется соседка Этель, тоже одинокая, тяжело переживающая смерть любимого мужа. Этель блестяще (другого слова не подобрать) играет Наталья Кудря. Думается, что это одна из лучших ее работ в театре. Она непосредственна, удивленно смотрит на все широко открытыми огромными глазами, и создается ощущение, что она все время обитает в параллельном мире, а не здесь, на Земле. Женщина мгновенно очаровывает своего соседа и, несмотря на то, что она много моложе его, они находят много общего, им интересно друг с другом.

На следующий день на торжественном обеде, устроенном Этель, Гарри делает ей предложение, и она соглашается стать его женой, правда, все время повторяя, что он очень напоминает ей покойного мужа.

В тот момент, когда он радостно сообщает своему другу Марку о предстоящей свадьбе, Гарри узнает, что накануне Этель выбросилась из окна.

Несмотря на трагический финал, спектакль очень светлый, и грусть в нем светлая. Он вселяет веру, надежду и любовь, которая может озарить каждого даже на склоне лет.

Рей Куни – известнейший английский драматург, пьесы которого переведены более чем на 40 языков, включая китайский и японский.

Его комедии положений (а комедия один из самых сложных жанров) мастерски выстроены, и хотя просты и не обременены философскими изысками, но невероятно насыщены действием, сюжетными головокружительными виражами.

«Слишком счастливый отец», поставленный Ириной Барковской и Олегом Никитиным, по существу, является продолжением его знаменитой комедии «Слишком женатый таксист». Тот же Джон Смит-Станислав Москвин умудряется в течение 17 лет жить на две семьи, в каждой из которых у него растут дети – пятнадцатилетняя Вики (Александра Перепелица) у его жены Мэри (Ольга Кульчицкая) и сын Гэйвин (Станислав Бобко) у другой жены Барбары (Наталья Шевченко).

Когда Джон узнает, что его дети, случайно познакомившись в Интернете, собираются встретиться, он с помощью своего квартиранта Стэнли (Кирилл Кашликов) пускается во все тяжкие, закручивая невероятную фантастическую историю, полную захватывающих интриг, вымысла, уморительного вранья, анекдотических ситуаций.

Все актеры играют легко, заразительно, искрометно. Гомерический смех в зале не прекращается ни на минуту, и это еще больше вдохновляет актеров, которые купаются в незамысловатом сюжете, снабженном неожиданными, пикантными и изящными поворотами.

Неделя, проведенная в театре Русской драмы имени Леси Украинки, дала еще раз убедиться в том, что это театр высокой культуры, которая видна во всем: в разнообразии репертуара, сценографии, музыкальном оформлении, работе цехов, прекрасной русской речи и, наконец, в умении быть современным, сохраняя великие традиции прошлого.